如何評價現代3D藝術
簡單來說，“現代3D藝術”一詞是指大約1850年開始的現代雕塑。當時，傳統藝術原理受到現代主義者的巨大壓力，現代主義者開始質疑一些如歐洲大型美術學院所講授的學術藝術學究傳統。同時，印象派，表現主義，立體派和未來主義等運動將二十世紀的雕塑家介紹給各種革命思想。在美學 最重要的是，現代雕塑的特點是從簡單地復制自然（例如在傳統風格的肖像，集體場景中復制）轉向具有更多信息-更具態度的作品！廢棄了常規的組成，視角和顯示規則，而所用材料的類型卻大大擴展了。為了欣賞現代造型藝術帶來的巨大變化，請記住，大多數雕塑學校只講授生活繪畫和石雕，側面可能還有些青銅鑄件和木雕。他們完全沒有能力回應新想法，新方法和新材料的喧囂。
為了幫助您學習（或教給學生）如何評估現代雕塑作品，此頁面包含從19世紀中葉至今的大多數主要學校的解釋。它以重要的現代藝術家及其作品為參考，并在適當時提供個別說明。就是說，沒有關于3-D藝術欣賞的書面文章像參觀雕塑畫廊，花園或博物館那樣具有啟發性，您可以在其中漫步甚至進入展覽，并從不同角度進行仔細研究。因此，請訪問我們最好的藝術博物館的指南。請記住，雕塑是三維藝術，只有肉體才能充分欣賞。
如何欣賞十九世紀的雕塑（1800-1900）
十九世紀的雕刻家很艱難。宗教贊助已經瓦解，而國家贊助尚不確定，并且主要限于君主，愛國政治家和神職人員的紀念雕像。直到世紀之交，雕塑家才能夠反映現代藝術的新趨勢。一個例外是偉大的法國雕塑家奧古斯特·羅丹（Auguste Rodin）（1840-1917）。羅丹認為自己是他的英雄米開朗基羅的自然繼承者，盡管佛羅倫薩是石雕家，而羅丹主要是青銅雕塑家。這兩個人的個人風格也截然不同。米開朗基羅是古典上古時代貴族的縮影，而羅丹的作品無疑是現代的，具有戲劇性和表現力的自然主義。羅丹的真正前輩肯定是哥特雕塑家，他是一位熱情的崇拜者。特別要看他的杰作，例如：青銅時代（1876年，奧賽博物館，巴黎），思想家（1881年，羅丹博物館，巴黎）， 親吻（1888-9，羅丹博物館，巴黎）和加來的居民 （1889年，羅丹美術館，巴黎）。
該時期其他值得研究的雕塑家包括：浪漫主義者弗朗索瓦·魯德（1784-1855）和奧古斯特·普羅特（1809-79）；才華橫溢，心胸開闊的讓·巴蒂斯特·卡爾佩（Jean-Baptiste Carpeaux）（1827-75）和他的追隨者朱爾斯·達洛（Jules Dalou）（1838-1902）；以及古典主義者阿爾弗雷德·史蒂文斯（Alfred Stevens，1817-75年）和多才多藝的喬治·弗雷德里克·沃茨（George Frederick Watts，1817-1904年）。
此外，19世紀還生產了幾件建筑雕塑杰作。其中包括：納爾遜紀念柱（1840-3），納爾遜勛爵（185英尺）的紀念碑（上面有17英尺高的納爾遜本人雕像），由EHBaily設計，位于特拉法加廣場；在自由女神像（1886年，自由女神島，紐約港），標志性的302英尺高的雕像由法國雕塑家設計巴托爾迪 （1834年至1904年）; 巴黎地標是由工程師古斯塔夫·埃菲爾（Gustav Eiffel）和建筑師斯蒂芬·索維斯特（Stephen Sauvestre）設計的，高1,000英尺的鐵藝 埃菲爾鐵塔（1885-9）。1922年，美國雕塑家丹尼爾·切斯特·法文 （1850至1931年）實現不朽與另一個巨大的公共雕塑-的坐像林肯在林肯紀念堂在華盛頓特區。
其他需要評估的19世紀雕塑
• Orestes庇護在帕拉斯祭壇（1840）魯昂。Pierre-Charles Simart。
• 拿破侖（Napoleon）崛起為永生（1847）Fixin les-Dijon。弗朗索瓦·魯德（Francois Rude）。
• Tarcisius，克里斯蒂安烈士（1868）奧賽博物館。約瑟夫·法吉耶（Joseph Falguiere）。
• 舞蹈（1869年），奧賽博物館。ean-Baptiste Carpeaux。
• 絕望（1869）奧賽博物館。讓·約瑟夫·佩羅（Jean-Joseph Perraud）。
• 惠靈頓紀念堂（1858-75）圣保羅大教堂。阿爾弗雷德·史蒂文斯（Alfred Stevens）。
• 帶耙的馬（1878年），奧賽博物館。Pierre Louis Rouillard。
•奧菲莉亞（1876）奧賽博物館。奧古斯特·普雷特（Auguste Preault）。
• Sluggard（1885）皇家藝術學院。弗雷德里克·萊頓勛爵。
• 物理能（1904年），倫敦肯辛頓花園。GFWatts。
•在噴泉旁跪著青年（1898年）奧賽博物館。喬治·明恩（George Minne）。
•站立的沐浴者（1899）奧賽博物館。阿里斯蒂德·梅洛（Aristide Maillol）。
• 地獄之門（1880-1917）羅丹博物館。奧古斯特·羅丹（Auguste Rodin）。
如何欣賞二十世紀雕塑（1900-45）
新世紀見證了偉大的現代雕塑家康斯坦丁·布朗庫西（Constantin Brancusi，1876-1957年）和翁貝托·博喬尼（Umberto Boccioni，1882-1916年）的出現。在《親吻》（1907年，漢堡，Hamburgerkunsthalle）和《沉睡的繆斯》（1910年，紐約大都會藝術博物館）中，布朗庫西將自然形態還原為最終的基本原理，而又沒有喪失其基本的人性。尤其是《吻》傳達了一種深刻的原始主義，但它說明了布朗庫西對人類情感力量的信念。博科尼（Boccioni）的未來主義風格的太空連續性獨特形式，以更加政治歷史的視角審視世界（1913年，紐約現代藝術博物館）概括了機器時代的運動和活力。它象征著新技術人的力量，跨越了太空，并象征著他對自然的勝利。兩位雕塑家都彰顯了從表象主義到趨向于更具挑戰性的成語概念（趨勢主義與形式主義融合）的趨勢。
立體主義是巴勃羅·畢加索（1881-1973）和喬治·布拉克（1882-1963）率先提出的現代藝術的革命風格，引發了對抽象雕塑的實驗浪潮。立體主義3D藝術的例子包括：亞歷山大·阿奇彭科（1887-1964）的《女人走路》 （1912年，丹佛藝術博物館）；馬大（1914年，國家博物館近代美術館，蓬皮杜藝術中心，巴黎），由雷蒙德·杜尚·維倫（1876年至1918年）; 雅克·利普茨 （Jacques Lipchitz）（1891-1973）的《有吉他的人》（Man With Guitar，1915年，紐約現代藝術博物館）; 女人的頭（1917年，紐約現代藝術博物館），Naum Gabo（1890-1977）；亨利·勞倫斯（Henri Laurens）（1885-1954）的《葡萄果盤》（1918）；和《軀干》（Torso，1924-6，紐約州現代藝術博物館，紐約），作者是Antoine Pevsner（1886-1962）。
第一次世界大戰的慘敗導致了威廉·勒姆布魯克（1881-1919）的悲慘雕塑，如《墮落的人》（1916年，柏林新國家美術館，柏林）和《坐著的青年》（1918年，斯塔德爾藝術學院）。第一次世界大戰醫院的經歷。它也直接導致了達達，其垃圾藝術的概念由馬塞爾·杜尚（Marcel Duchamp）（1887-1968）和獨特的庫爾特· 史維特（Kurt Schwitters）（1887-1948） 的噴泉（1917年，在多個博物館的復制品）恰當地說明了。
在第二次世界大戰期間，造型藝術沿著許多方面發展，我們可以簡單地描述如下：
• 技術雕塑
這是由技術進步的概念驅動的：請參見3-D藝術運動，例如未來主義和 建構主義。
• 抽象抽象
的超純凈成語，消除了所有對現實生活的干擾：例如，參見De Stijl和Abstraction-Creation。
• 運動
的早期思想動態藝術，通過集中體現在空間鳥由康斯坦丁·布朗庫西（1925年至1931年，美術館，蘇黎世）（1876-1957）; 旋轉斑塊（1920年，耶魯大學美術館），馬塞爾·杜尚（Marcel Duchamp，1887-1968年）; 動能建設（1919-20，Tate London），納姆·加博（1890-1977）；亞歷山大·卡爾德（Alexander Calder）創作的眾多“ 手機 ”，以及拉斯洛·莫霍利·納吉 （Laszlo Moholy-Nagy）（1895-1946）的《光空間調制器》（Light-Space-Modulator，1930年，布希·賴辛格博物館）。
• 荒誕
的揮之不去的達達主義或反傳統的感覺：在1920年代，它以超現實主義為腳，這是一種極具影響力的運動，它尋求一種新的“超現實主義”媒介，這種媒介融合了代表性，抽象和半抽象的藝術。重要的超現實主義雕塑家包括：薩爾瓦多·達利（Salvador Dali，1904-89年），他制作了出色的《湄西河唇沙發 和龍蝦電話》（1936年，泰特美術館）。異想天開的毛利早餐 （1936年，紐約現代藝術博物館）的Meret Oppenheim（1913-85）和令人驚嘆的Alberto Giacometti 割喉的女人（La Femme Egorgee）（1932年，私人收藏）。
• 有機形狀
一種不斷發展的生物形態抽象風格，例如讓·阿普（Jean Arp（1886-1966））看到他的軀干（1932，喬治·蓬皮杜藝術中心）； 亨利·摩爾（1898-1986）；和芭芭拉·赫普沃斯（Barbara Hepworth，1903-75年），參見她開創性的《鏤空表》（Pierced Form，1931年）。
• 工業材料
通常是用金屬制成的抽象雕塑：代表人物包括戴維·史密斯（1906-65）和安東尼·卡羅（1924-2013）。
如何欣賞20世紀后期的雕塑（1945-2000）
這一時期見證了上述六種雕塑風格的不斷發展，以及大量的真正創新。
技術雕塑
這種風格是唯一似乎肯定已經縮小的風格。目前，它僅能在建筑雕塑中生存：21世紀的一個例子是由Ian Ritchie RA設計的都柏林尖塔，被稱為“尖峰”。但是，毫無疑問，這種雕塑會再次出現在新的環境中（例如在太空中或在水上）。
抽象
這種風格 在1960年代被極簡主義學校推向了新的高度。美國雕塑家，例如索爾·萊維特 （Sol LeWitt，生于1928年），唐納德·賈德（Donald Judd，生于1928-94年），沃爾特·德·瑪麗亞（Walter de Maria，生于1935年生）和卡爾·安德烈（Carl Andre，生于1935年生）致力于創造一種可簡化為它的基本原理。很難理解或討論，除非擁有美學博士學位。但是，我們應該順便指出，當代藝術專家和收藏家查爾斯·薩奇（Charles Saatchi）對唐納德·賈德（Donald Judd）的作品具有深遠的意義。著名的極簡主義雕塑包括：沃爾特·德·瑪麗亞（Walter de Maria）的《凱奇二世》（Cage II，1965年，紐約現代藝術博物館）；卡爾·安德烈（Carl Andre）的《Equivalent 1》（1969年，巴塞爾藝術博物館）；和堆棧（1967年，紐約現代藝術博物館）由唐納德賈德。
運動/分解
戰后的動能雕塑以Pol Bury（1922-2005）的Relief Mobile 5（1954年，圣艾蒂安現代美術館）為例。信號：塔基斯（Takis，生于1925年），是空間昆蟲（1956年，倫敦泰特美術館）；以及瑞士前衛藝術家讓·廷格利 （Jean Tinguely，1925-1991年）創作的非凡的自毀性裝置，例如《向紐約致敬》（1960年，紐約現代藝術博物館）。Tinguely的作品在獨特的視覺盛宴中融合了雕塑，工藝和行為藝術。也許還會有人爭辯說，安迪·戈德沃斯（Andy Goldsworthy，生于1956年）的臨時環境雕塑（例如，用雪制成）也屬于這一類。
荒誕或超現實
主義這種傳統是波普藝術運動的成員們重新確立的。例子包括克萊斯·奧爾登堡（Claes Oldenburg）（b.1929年生）的巨型主義，例如參見他的《巨人末日》（Giant Fag-Ends，1967）和《蘋果核》（Apple Core，1992）；以及 意大利人喬納森·德·帕斯（Jonathan De Pas，1932-91），多納托·杜爾比諾（Donato D'Urbino，1935年生）和保羅·洛瑪茲（Paolo Lomazzi，1936年生）的幽默喬（Joe Sofa）（1968）。此外，塞薩爾 （1921-98）的作品（被壓扁的汽車）；阿曼 （b.1928年）的破爛雕塑（破爛的電話堆）和馬曼（maman）顯然都屬于荒謬路易絲·布爾喬亞的蜘蛛雕塑（1911-2010）；以及阿爾貝托·賈科梅蒂（Alberto Giacometti）獨特的棒狀人物，例如《高個子女人II》（1960年，紐約現代藝術博物館）。2010年2月，賈科梅蒂的真人大小的青銅行走者I （1961年）在倫敦蘇富比以6500萬英鎊（1.04億美元）的價格售出，是有史以來雕塑的最高拍賣價。
有機形態
這種類型在亨利·摩爾和芭芭拉·赫普沃斯的積極推動下得以延續，之后（可以說）出現在理查德·塞拉（Richard Serra，生于1939年）的抽象作品中。在畢爾巴鄂古根海姆博物館研究塞拉的蛇（1994-97年）時，人們不禁將其視為一個活生生的實體。塞薩爾·巴爾達奇尼（Cesar Baldaccini）創作的《 Didived Head》（1963年，倫敦，菲奧里尼）是這一領域的另一項杰出作品。
工業材料
此類別是戰后由托尼·史密斯（Tony Smith，1912-81年）等藝術家開發的，參見他的《模具》（Die，1962年，紐約現代藝術博物館）。巴尼特·紐曼（Barnett Newman，1905-70年），參見他的《破碎的方尖碑》（1963-9，紐約現代藝術博物館）；亞歷山大·考爾德（Alexander Calder），參見他的《勒·哈勒巴第耶（Le Hallebardier）》（1971年，漢諾威Sprengel博物館）；
和馬克·迪·薩夫羅（b.1933），看到他暴風天使（1974年，索恩河畔沙隆）。
革新性
在20世紀下半葉出現的新雕塑形式包括：
集合藝術
由讓·杜布菲 （Jean Dubuffet，1901-85年）率先發明的集合藝術，包括由天然或人造物體碎片（例如家用或家用碎片）制成的作品。例子包括路易絲·內維森（Louise Nevelson，1899年至1988年）的“雕刻墻” ，通常由木箱制成，噴有黑色或金色油漆，并排列在盒狀的架子上。另請參見德國前衛雕塑家約瑟夫·博伊斯（Joseph Beuys，1921-1986年）的作品。1961年在紐約現代藝術博物館舉辦的重要展覽“集合藝術”極大地促進了集合藝術的發展。
超現實主義
是波普藝術和寫實主義的產物，它是一種基于美國的形象體裁類型，其中使用聚酯纖維/玻璃纖維和其他材料（包括人類頭發）將某些定型個體重現到逼真的細節。杜安·漢森（Duane Hanson）（1925-96）的作品《年輕購物者》（Young Shopper，1973，私人收藏）就是這種風格的體現。和 夫婦（1971年，巴黎蓬皮杜藝術中心），約翰·德·安德里亞（John De Andrea，1941年生）。另請參閱Carole Feuerman（生于1945年）的超寫實游泳者。
巨人
主義特納獎得主安東尼·葛姆雷（Antony Gormley，生于1950年）的巨大作品使約瑟夫·斯大林和阿爾伯特·斯佩爾的紀念性設計傳統得以保留-參見他的《北方的天使》（1997-8 ，英國蓋茨黑德）；特納獎得主艾尼什·卡普爾（Anish Kapoor，生于1954年）-參見他的瑪莎雅（Marsyas，2002年，泰特現代美術館展覽）。某些類型的地球雕塑或土地藝術也屬于此類。
英國青年藝術家布里特（Britart）
，英國后現代主義藝術學院的某些作品，由達米安·赫斯特 （Damien Hirst，1965年生），雷切爾·懷特里德（Rachel Whiteread，1963年）和特蕾西·埃敏（Tracey Emin， 1963年生）可以很容易地歸為荒誕派，公平，他們應該擁有一個特殊的類別-人們可能稱其為“完全荒唐”。這種類型的當代藝術的特點是赫斯特（Hirst）的《在某人的生活中死亡的物理不可能》（死鯊魚，1991）和弗洛克 （死羊羔，1994）。和懷特里德的《無題（房子）》（1993）。有關愛爾蘭的3D藝術，請參閱：愛爾蘭雕塑：歷史，雕刻家。
其他要評估的20世紀雕塑
•《蹲下的數字》（1907年），維也納現代藝術博物館。作者：安德烈（Andre Derain）。
• 小徑盡頭（1915），美國布魯克格林花園。由詹姆斯·厄爾·弗雷澤。
• 戰馬（1950年），HH雕塑花園。通過安娜凱悅亨廷頓。
• 亞當（1938年），英國哈伍德大廈。雅各布•愛潑斯坦爵士。
• 紐約現代藝術博物館（MoMA），“ 露天的人”（約1915年）。埃利·納德曼（Elie Nadelman）。
• 抽象（1946年），佐治亞州奧基夫博物館，圣達菲。由 喬治亞·歐姬芙。
• 被摧毀的城市（1953），鹿特丹Schiedamse Dijk。作者： Ossip Zadkine。
•《空間中的線性構造》，第4期（1962年），惠特尼博物館。納姆·加博（Naum Gabo）。
• 母親和兒童（1930年），檀香山藝術學院。雅克·利普希茨（Jacques Lipchitz）。
• 花瓣?。?941），紐約古根海姆博物館。亞歷山大·卡爾德（Alexander Calder）著。
• Moon Head（1964年），利茲亨利摩爾基金會。亨利·摩爾（Henry Moore）。
• 天空大教堂（1958），紐約現代藝術博物館。路易絲·內維爾森（Louise Nevelson）。
• 開放式幾何結構IV（1990）私人收藏。索爾·萊維特（Sol LeWitt）。
• Floor Burger（1962），安大略省美術館。克萊斯·奧爾登堡（Claes Oldenburg）。
• Ale Cans（1964年），巴塞爾的Offentliche Kunstsammlung。賈斯珀·約翰斯（Jasper Johns）。
• 云門（Cloud Gate，2004年），芝加哥千禧公園。作者：Anish Kapoor。
• 邁克爾·杰克遜和泡泡（1988）阿斯特魯普·費恩利博物館。由杰夫·昆斯。
• 小狗（1992）畢爾巴鄂古根海姆。杰夫·昆斯（Jeff Koons）。
簡單來說，“現代3D藝術”一詞是指大約1850年開始的現代雕塑。當時，傳統藝術原理受到現代主義者的巨大壓力，現代主義者開始質疑一些如歐洲大型美術學院所講授的學術藝術學究傳統。同時，印象派，表現主義，立體派和未來主義等運動將二十世紀的雕塑家介紹給各種革命思想。在美學 最重要的是，現代雕塑的特點是從簡單地復制自然（例如在傳統風格的肖像，集體場景中復制）轉向具有更多信息-更具態度的作品！廢棄了常規的組成，視角和顯示規則，而所用材料的類型卻大大擴展了。為了欣賞現代造型藝術帶來的巨大變化，請記住，大多數雕塑學校只講授生活繪畫和石雕，側面可能還有些青銅鑄件和木雕。他們完全沒有能力回應新想法，新方法和新材料的喧囂。
為了幫助您學習（或教給學生）如何評估現代雕塑作品，此頁面包含從19世紀中葉至今的大多數主要學校的解釋。它以重要的現代藝術家及其作品為參考，并在適當時提供個別說明。就是說，沒有關于3-D藝術欣賞的書面文章像參觀雕塑畫廊，花園或博物館那樣具有啟發性，您可以在其中漫步甚至進入展覽，并從不同角度進行仔細研究。因此，請訪問我們最好的藝術博物館的指南。請記住，雕塑是三維藝術，只有肉體才能充分欣賞。
如何欣賞十九世紀的雕塑（1800-1900）
十九世紀的雕刻家很艱難。宗教贊助已經瓦解，而國家贊助尚不確定，并且主要限于君主，愛國政治家和神職人員的紀念雕像。直到世紀之交，雕塑家才能夠反映現代藝術的新趨勢。一個例外是偉大的法國雕塑家奧古斯特·羅丹（Auguste Rodin）（1840-1917）。羅丹認為自己是他的英雄米開朗基羅的自然繼承者，盡管佛羅倫薩是石雕家，而羅丹主要是青銅雕塑家。這兩個人的個人風格也截然不同。米開朗基羅是古典上古時代貴族的縮影，而羅丹的作品無疑是現代的，具有戲劇性和表現力的自然主義。羅丹的真正前輩肯定是哥特雕塑家，他是一位熱情的崇拜者。特別要看他的杰作，例如：青銅時代（1876年，奧賽博物館，巴黎），思想家（1881年，羅丹博物館，巴黎）， 親吻（1888-9，羅丹博物館，巴黎）和加來的居民 （1889年，羅丹美術館，巴黎）。
該時期其他值得研究的雕塑家包括：浪漫主義者弗朗索瓦·魯德（1784-1855）和奧古斯特·普羅特（1809-79）；才華橫溢，心胸開闊的讓·巴蒂斯特·卡爾佩（Jean-Baptiste Carpeaux）（1827-75）和他的追隨者朱爾斯·達洛（Jules Dalou）（1838-1902）；以及古典主義者阿爾弗雷德·史蒂文斯（Alfred Stevens，1817-75年）和多才多藝的喬治·弗雷德里克·沃茨（George Frederick Watts，1817-1904年）。
此外，19世紀還生產了幾件建筑雕塑杰作。其中包括：納爾遜紀念柱（1840-3），納爾遜勛爵（185英尺）的紀念碑（上面有17英尺高的納爾遜本人雕像），由EHBaily設計，位于特拉法加廣場；在自由女神像（1886年，自由女神島，紐約港），標志性的302英尺高的雕像由法國雕塑家設計巴托爾迪 （1834年至1904年）; 巴黎地標是由工程師古斯塔夫·埃菲爾（Gustav Eiffel）和建筑師斯蒂芬·索維斯特（Stephen Sauvestre）設計的，高1,000英尺的鐵藝 埃菲爾鐵塔（1885-9）。1922年，美國雕塑家丹尼爾·切斯特·法文 （1850至1931年）實現不朽與另一個巨大的公共雕塑-的坐像林肯在林肯紀念堂在華盛頓特區。
其他需要評估的19世紀雕塑
• Orestes庇護在帕拉斯祭壇（1840）魯昂。Pierre-Charles Simart。
• 拿破侖（Napoleon）崛起為永生（1847）Fixin les-Dijon。弗朗索瓦·魯德（Francois Rude）。
• Tarcisius，克里斯蒂安烈士（1868）奧賽博物館。約瑟夫·法吉耶（Joseph Falguiere）。
• 舞蹈（1869年），奧賽博物館。ean-Baptiste Carpeaux。
• 絕望（1869）奧賽博物館。讓·約瑟夫·佩羅（Jean-Joseph Perraud）。
• 惠靈頓紀念堂（1858-75）圣保羅大教堂。阿爾弗雷德·史蒂文斯（Alfred Stevens）。
• 帶耙的馬（1878年），奧賽博物館。Pierre Louis Rouillard。
•奧菲莉亞（1876）奧賽博物館。奧古斯特·普雷特（Auguste Preault）。
• Sluggard（1885）皇家藝術學院。弗雷德里克·萊頓勛爵。
• 物理能（1904年），倫敦肯辛頓花園。GFWatts。
•在噴泉旁跪著青年（1898年）奧賽博物館。喬治·明恩（George Minne）。
•站立的沐浴者（1899）奧賽博物館。阿里斯蒂德·梅洛（Aristide Maillol）。
• 地獄之門（1880-1917）羅丹博物館。奧古斯特·羅丹（Auguste Rodin）。
如何欣賞二十世紀雕塑（1900-45）
新世紀見證了偉大的現代雕塑家康斯坦丁·布朗庫西（Constantin Brancusi，1876-1957年）和翁貝托·博喬尼（Umberto Boccioni，1882-1916年）的出現。在《親吻》（1907年，漢堡，Hamburgerkunsthalle）和《沉睡的繆斯》（1910年，紐約大都會藝術博物館）中，布朗庫西將自然形態還原為最終的基本原理，而又沒有喪失其基本的人性。尤其是《吻》傳達了一種深刻的原始主義，但它說明了布朗庫西對人類情感力量的信念。博科尼（Boccioni）的未來主義風格的太空連續性獨特形式，以更加政治歷史的視角審視世界（1913年，紐約現代藝術博物館）概括了機器時代的運動和活力。它象征著新技術人的力量，跨越了太空，并象征著他對自然的勝利。兩位雕塑家都彰顯了從表象主義到趨向于更具挑戰性的成語概念（趨勢主義與形式主義融合）的趨勢。
立體主義是巴勃羅·畢加索（1881-1973）和喬治·布拉克（1882-1963）率先提出的現代藝術的革命風格，引發了對抽象雕塑的實驗浪潮。立體主義3D藝術的例子包括：亞歷山大·阿奇彭科（1887-1964）的《女人走路》 （1912年，丹佛藝術博物館）；馬大（1914年，國家博物館近代美術館，蓬皮杜藝術中心，巴黎），由雷蒙德·杜尚·維倫（1876年至1918年）; 雅克·利普茨 （Jacques Lipchitz）（1891-1973）的《有吉他的人》（Man With Guitar，1915年，紐約現代藝術博物館）; 女人的頭（1917年，紐約現代藝術博物館），Naum Gabo（1890-1977）；亨利·勞倫斯（Henri Laurens）（1885-1954）的《葡萄果盤》（1918）；和《軀干》（Torso，1924-6，紐約州現代藝術博物館，紐約），作者是Antoine Pevsner（1886-1962）。
第一次世界大戰的慘敗導致了威廉·勒姆布魯克（1881-1919）的悲慘雕塑，如《墮落的人》（1916年，柏林新國家美術館，柏林）和《坐著的青年》（1918年，斯塔德爾藝術學院）。第一次世界大戰醫院的經歷。它也直接導致了達達，其垃圾藝術的概念由馬塞爾·杜尚（Marcel Duchamp）（1887-1968）和獨特的庫爾特· 史維特（Kurt Schwitters）（1887-1948） 的噴泉（1917年，在多個博物館的復制品）恰當地說明了。
在第二次世界大戰期間，造型藝術沿著許多方面發展，我們可以簡單地描述如下：
• 技術雕塑
這是由技術進步的概念驅動的：請參見3-D藝術運動，例如未來主義和 建構主義。
• 抽象抽象
的超純凈成語，消除了所有對現實生活的干擾：例如，參見De Stijl和Abstraction-Creation。
• 運動
的早期思想動態藝術，通過集中體現在空間鳥由康斯坦丁·布朗庫西（1925年至1931年，美術館，蘇黎世）（1876-1957）; 旋轉斑塊（1920年，耶魯大學美術館），馬塞爾·杜尚（Marcel Duchamp，1887-1968年）; 動能建設（1919-20，Tate London），納姆·加博（1890-1977）；亞歷山大·卡爾德（Alexander Calder）創作的眾多“ 手機 ”，以及拉斯洛·莫霍利·納吉 （Laszlo Moholy-Nagy）（1895-1946）的《光空間調制器》（Light-Space-Modulator，1930年，布希·賴辛格博物館）。
• 荒誕
的揮之不去的達達主義或反傳統的感覺：在1920年代，它以超現實主義為腳，這是一種極具影響力的運動，它尋求一種新的“超現實主義”媒介，這種媒介融合了代表性，抽象和半抽象的藝術。重要的超現實主義雕塑家包括：薩爾瓦多·達利（Salvador Dali，1904-89年），他制作了出色的《湄西河唇沙發 和龍蝦電話》（1936年，泰特美術館）。異想天開的毛利早餐 （1936年，紐約現代藝術博物館）的Meret Oppenheim（1913-85）和令人驚嘆的Alberto Giacometti 割喉的女人（La Femme Egorgee）（1932年，私人收藏）。
• 有機形狀
一種不斷發展的生物形態抽象風格，例如讓·阿普（Jean Arp（1886-1966））看到他的軀干（1932，喬治·蓬皮杜藝術中心）； 亨利·摩爾（1898-1986）；和芭芭拉·赫普沃斯（Barbara Hepworth，1903-75年），參見她開創性的《鏤空表》（Pierced Form，1931年）。
• 工業材料
通常是用金屬制成的抽象雕塑：代表人物包括戴維·史密斯（1906-65）和安東尼·卡羅（1924-2013）。
如何欣賞20世紀后期的雕塑（1945-2000）
這一時期見證了上述六種雕塑風格的不斷發展，以及大量的真正創新。
技術雕塑
這種風格是唯一似乎肯定已經縮小的風格。目前，它僅能在建筑雕塑中生存：21世紀的一個例子是由Ian Ritchie RA設計的都柏林尖塔，被稱為“尖峰”。但是，毫無疑問，這種雕塑會再次出現在新的環境中（例如在太空中或在水上）。
抽象
這種風格 在1960年代被極簡主義學校推向了新的高度。美國雕塑家，例如索爾·萊維特 （Sol LeWitt，生于1928年），唐納德·賈德（Donald Judd，生于1928-94年），沃爾特·德·瑪麗亞（Walter de Maria，生于1935年生）和卡爾·安德烈（Carl Andre，生于1935年生）致力于創造一種可簡化為它的基本原理。很難理解或討論，除非擁有美學博士學位。但是，我們應該順便指出，當代藝術專家和收藏家查爾斯·薩奇（Charles Saatchi）對唐納德·賈德（Donald Judd）的作品具有深遠的意義。著名的極簡主義雕塑包括：沃爾特·德·瑪麗亞（Walter de Maria）的《凱奇二世》（Cage II，1965年，紐約現代藝術博物館）；卡爾·安德烈（Carl Andre）的《Equivalent 1》（1969年，巴塞爾藝術博物館）；和堆棧（1967年，紐約現代藝術博物館）由唐納德賈德。
運動/分解
戰后的動能雕塑以Pol Bury（1922-2005）的Relief Mobile 5（1954年，圣艾蒂安現代美術館）為例。信號：塔基斯（Takis，生于1925年），是空間昆蟲（1956年，倫敦泰特美術館）；以及瑞士前衛藝術家讓·廷格利 （Jean Tinguely，1925-1991年）創作的非凡的自毀性裝置，例如《向紐約致敬》（1960年，紐約現代藝術博物館）。Tinguely的作品在獨特的視覺盛宴中融合了雕塑，工藝和行為藝術。也許還會有人爭辯說，安迪·戈德沃斯（Andy Goldsworthy，生于1956年）的臨時環境雕塑（例如，用雪制成）也屬于這一類。
荒誕或超現實
主義這種傳統是波普藝術運動的成員們重新確立的。例子包括克萊斯·奧爾登堡（Claes Oldenburg）（b.1929年生）的巨型主義，例如參見他的《巨人末日》（Giant Fag-Ends，1967）和《蘋果核》（Apple Core，1992）；以及 意大利人喬納森·德·帕斯（Jonathan De Pas，1932-91），多納托·杜爾比諾（Donato D'Urbino，1935年生）和保羅·洛瑪茲（Paolo Lomazzi，1936年生）的幽默喬（Joe Sofa）（1968）。此外，塞薩爾 （1921-98）的作品（被壓扁的汽車）；阿曼 （b.1928年）的破爛雕塑（破爛的電話堆）和馬曼（maman）顯然都屬于荒謬路易絲·布爾喬亞的蜘蛛雕塑（1911-2010）；以及阿爾貝托·賈科梅蒂（Alberto Giacometti）獨特的棒狀人物，例如《高個子女人II》（1960年，紐約現代藝術博物館）。2010年2月，賈科梅蒂的真人大小的青銅行走者I （1961年）在倫敦蘇富比以6500萬英鎊（1.04億美元）的價格售出，是有史以來雕塑的最高拍賣價。
有機形態
這種類型在亨利·摩爾和芭芭拉·赫普沃斯的積極推動下得以延續，之后（可以說）出現在理查德·塞拉（Richard Serra，生于1939年）的抽象作品中。在畢爾巴鄂古根海姆博物館研究塞拉的蛇（1994-97年）時，人們不禁將其視為一個活生生的實體。塞薩爾·巴爾達奇尼（Cesar Baldaccini）創作的《 Didived Head》（1963年，倫敦，菲奧里尼）是這一領域的另一項杰出作品。
工業材料
此類別是戰后由托尼·史密斯（Tony Smith，1912-81年）等藝術家開發的，參見他的《模具》（Die，1962年，紐約現代藝術博物館）。巴尼特·紐曼（Barnett Newman，1905-70年），參見他的《破碎的方尖碑》（1963-9，紐約現代藝術博物館）；亞歷山大·考爾德（Alexander Calder），參見他的《勒·哈勒巴第耶（Le Hallebardier）》（1971年，漢諾威Sprengel博物館）；
和馬克·迪·薩夫羅（b.1933），看到他暴風天使（1974年，索恩河畔沙隆）。
革新性
在20世紀下半葉出現的新雕塑形式包括：
集合藝術
由讓·杜布菲 （Jean Dubuffet，1901-85年）率先發明的集合藝術，包括由天然或人造物體碎片（例如家用或家用碎片）制成的作品。例子包括路易絲·內維森（Louise Nevelson，1899年至1988年）的“雕刻墻” ，通常由木箱制成，噴有黑色或金色油漆，并排列在盒狀的架子上。另請參見德國前衛雕塑家約瑟夫·博伊斯（Joseph Beuys，1921-1986年）的作品。1961年在紐約現代藝術博物館舉辦的重要展覽“集合藝術”極大地促進了集合藝術的發展。
超現實主義
是波普藝術和寫實主義的產物，它是一種基于美國的形象體裁類型，其中使用聚酯纖維/玻璃纖維和其他材料（包括人類頭發）將某些定型個體重現到逼真的細節。杜安·漢森（Duane Hanson）（1925-96）的作品《年輕購物者》（Young Shopper，1973，私人收藏）就是這種風格的體現。和 夫婦（1971年，巴黎蓬皮杜藝術中心），約翰·德·安德里亞（John De Andrea，1941年生）。另請參閱Carole Feuerman（生于1945年）的超寫實游泳者。
巨人
主義特納獎得主安東尼·葛姆雷（Antony Gormley，生于1950年）的巨大作品使約瑟夫·斯大林和阿爾伯特·斯佩爾的紀念性設計傳統得以保留-參見他的《北方的天使》（1997-8 ，英國蓋茨黑德）；特納獎得主艾尼什·卡普爾（Anish Kapoor，生于1954年）-參見他的瑪莎雅（Marsyas，2002年，泰特現代美術館展覽）。某些類型的地球雕塑或土地藝術也屬于此類。
英國青年藝術家布里特（Britart）
，英國后現代主義藝術學院的某些作品，由達米安·赫斯特 （Damien Hirst，1965年生），雷切爾·懷特里德（Rachel Whiteread，1963年）和特蕾西·埃敏（Tracey Emin， 1963年生）可以很容易地歸為荒誕派，公平，他們應該擁有一個特殊的類別-人們可能稱其為“完全荒唐”。這種類型的當代藝術的特點是赫斯特（Hirst）的《在某人的生活中死亡的物理不可能》（死鯊魚，1991）和弗洛克 （死羊羔，1994）。和懷特里德的《無題（房子）》（1993）。有關愛爾蘭的3D藝術，請參閱：愛爾蘭雕塑：歷史，雕刻家。
其他要評估的20世紀雕塑
•《蹲下的數字》（1907年），維也納現代藝術博物館。作者：安德烈（Andre Derain）。
• 小徑盡頭（1915），美國布魯克格林花園。由詹姆斯·厄爾·弗雷澤。
• 戰馬（1950年），HH雕塑花園。通過安娜凱悅亨廷頓。
• 亞當（1938年），英國哈伍德大廈。雅各布•愛潑斯坦爵士。
• 紐約現代藝術博物館（MoMA），“ 露天的人”（約1915年）。埃利·納德曼（Elie Nadelman）。
• 抽象（1946年），佐治亞州奧基夫博物館，圣達菲。由 喬治亞·歐姬芙。
• 被摧毀的城市（1953），鹿特丹Schiedamse Dijk。作者： Ossip Zadkine。
•《空間中的線性構造》，第4期（1962年），惠特尼博物館。納姆·加博（Naum Gabo）。
• 母親和兒童（1930年），檀香山藝術學院。雅克·利普希茨（Jacques Lipchitz）。
• 花瓣?。?941），紐約古根海姆博物館。亞歷山大·卡爾德（Alexander Calder）著。
• Moon Head（1964年），利茲亨利摩爾基金會。亨利·摩爾（Henry Moore）。
• 天空大教堂（1958），紐約現代藝術博物館。路易絲·內維爾森（Louise Nevelson）。
• 開放式幾何結構IV（1990）私人收藏。索爾·萊維特（Sol LeWitt）。
• Floor Burger（1962），安大略省美術館。克萊斯·奧爾登堡（Claes Oldenburg）。
• Ale Cans（1964年），巴塞爾的Offentliche Kunstsammlung。賈斯珀·約翰斯（Jasper Johns）。
• 云門（Cloud Gate，2004年），芝加哥千禧公園。作者：Anish Kapoor。
• 邁克爾·杰克遜和泡泡（1988）阿斯特魯普·費恩利博物館。由杰夫·昆斯。
• 小狗（1992）畢爾巴鄂古根海姆。杰夫·昆斯（Jeff Koons）。